Blog personal de Luis Córdoba Fallas.

viernes, 5 de abril de 2013 0 comentarios

Arte y Diseño Grafico

Introducción

En la actualidad hemos podido ver como el desarrollo web ha tenido un auge enorme y se  ha transformado en una especie de mercado que es cada vez más creciente, de esta manera crecen las necesidades de desarrollar nuevas técnicas que ayuden a mejorar el crecimiento de la web, con el crecimiento avanzado de la web 2.0 estas tendencias por mejorar la calidad del diseño de los sitios se han visto cada vez mas explotadas, y han aparecido un sin número de herramientas y nuevas técnicas también se han realizado mejoras a las que ya existían.
Dentro de las propuestas que podemos encontrar con la aplicación del diseño grafico en la creación de sitio web, están las increíbles mejoras en las estética y la animación de estos, que llevan hasta los consumidores o usuarios un mensaje mediante la expresión de una forma de arte, creando en estos el valor de la satisfacción por obtener lo que demandan, se puede decir que las bases teóricas de este tipo de propuestas son la estética y creatividad basados en el uso y la aplicación de la tecnología actual.

El presente trabajo tiene como fin mediante la investigación, ampliar de manera breve la los conceptos básicos de diseño grafico y arte  asi como sus campos de acción su aplicabilidad funcional para la creación o diseño de sitios web, se pretende hacer comparación sobre las diferencias conceptuales que existen entre estos y de la misma manera establecer la relación que existe entre ambos, dejando en claro el aporte de cada uno y su desarrollo con la aplicación de las tecnologías actuales.

1.    Diseño Grafico.

El concepto de diseño según la real academia española se define de la siguiente manera: “Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie. Diseño gráfico, de modas, industrial
Existe un sin número de opiniones con respecto al concepto de diseño grafico, ya que en algunos sentidos se dice que esta es una manifestación grafica, sin embargo otros criterios se apoyan en que esta surge como resultado de la aplicación del modelo de producción industrial, que consiste en la manifestación en forma visual que se hayan proyectado contemplando un diverso grupo de necesidades, contemplando dentro de estas las necesidades contextuales, simbólicas, productivas y contextuales. Esta es una disiplina que se orienta principalmente a la actividad industrial y comercial para crear y proyectar mediante la promoción mensajes visuales.

Con el desarrollo de nuevos mercados,  la aparición de productos bienes o servicios novedosos  y gracias a la tecnología ha surgido la necesidad de nueva publicidad y con ello se ha visto también desarrollada la necesidad de evolucionar el diseño grafico a otros niveles, esto como una forma de comunicar una idea sobre un producto, bien o servicio determinado, dicho de otro modo el diseño grafico es la herramienta que las empresas toman en la actualidad para comunicar sus ideas o propuestas, y surgir  mediante este medio en la batalla de los mercados frente a todos sus competidores.

1.1  Campos de aplicación

En vista de que el diseño grafico es una disciplina que se ha desarrollado enormemente,  su campo de acción abarca un gran ámbito brindando soluciones diversas a distintos campos como el de la fotografía, editorial, publicidad, periódicos, libros, televisión, videos, efectos especiales,  comunicación y la estética de los mensajes visuales, pero no podemos dejar de lado el punto de acción en donde más se ha concentrado en los últimos tiempos la internet (La Web), esta ha sido el campo de acción más  explotado en los últimos años, en donde se ha visto un considerable incremento en la aplicación del diseño grafico como forma de expresión, en donde las posibilidades de uso son infinitas y de aquí que se ha  derivado que son cada vez más los campos en los que se emplean diseños o elementos creados con la utilización de las computadoras.

El diseño grafico se puede decir que es interdisciplinario, ya que para llegar a ser diseñador grafico se necesitan conocer una serie de disciplinas que son base de esta, algunos de estos son: dibujo técnico, dibujo a mano, psicología de la percepción, psicología gestáltica, geometría, tipografía, semiología, fotografía, comunicación y tecnología.

El diseño grafico también es muy explotado en la creación de sitios Web, es una de las técnicas más usadas en la actualidad para construir sitios llamativos con estéticas que logren cautivar a los visitantes, en donde la finalidad de estos es atraer a la mayor cantidad de usuarios posibles para poder vender su idea, producto, bien o servicio.

1.2  Grupos Principales.

En la actualidad se pueden divisar los tipos de diseño en su campo de aplicación segmentado o dividido en tres tipos, todos estos enfocados a vender una idea o una imagen para una empresa, producto bien o servicio en los distintos tipos de mercados.
·  La edición: abarcado por el diseño de todo tipo de revistas, libros y periódicos.
· La publicidad: este está comprendido por el diseño de anuncios                        publicitarios, folletos y todo tipo de carteles.
· La identidad: en donde la labor primordial que se desempeña es el diseño de una identidad corporativa para una empresa dedicada a una actividad específica, este concepto también aplica cuando se trata de crear una identidad a un determinado bien o servicio.

1.3  Elementos Básicos del Diseño

Se deben tomar en cuenta una  serie de elementos que son básicos para realizar cualquier diseño, dentro de estos se encuentran.
· Percepción visual: se debe tener en claro la manera en que todas las personas ven y perciben lo que están viendo, detalles como el contraste, brillo, trayectoria de la luz, percepción de las figuras, recorrido de la vista y el campo visual en donde los seres humanos normalmente realizar su enfoque, todos estos aspectos son vitales a la hora de hacer una propuesta de diseño
· Comunicación: se deben tener claros los procesos de comunicación, para poder captar los mensajes que el diseño tratara de comunicar.
· Administración de los recursos: se deben conocer en detalle todos los recursos con los que se cuenta, con la idea final de sacar el máximo provecho de estos y para aplicarlos lo mejor posibles.
· Lenguaje visual: Se debe tener en claro y se debe saber cuál va a ser el mensaje que se quiere comunicar, este debe estar adecuado con base a lo que se quiere comunicar y orientado a los usuarios, personas o público del que se quiera dirigir el mensaje para captar su atención.

1.4  Diseño Grafico Publicitario

Con el desarrollo del Diseño han surgido numerosos métodos y formas de explotación del diseño grafico, el diseño publicitario es uno de estos, esta es una fase del desarrollo del diseño que se ha unido al mercado como consecuencia de la creciente de este y derivado también del crecimiento de los medios de comunicación.
Este Diseño grafico publicitario comprende el ámbito de diseño que va desde medios impresos como los libros, revistas, periódicos, folletos  flyers, carteles y hasta otros medios visuales más complejos y populares como los son la televisión y la internet.
Para lograr su fin de transmitir el mensaje  el diseño publicitario utiliza contenidos visuales muy atractivos en todos sus anuncios y estos están conformados por imágenes que representan el objeto que se esta promoviendo o anunciando, el objetivo principal del uso de estas imágenes es dar apoyo al contenido verbal o texto, aunque  en muchos de los casos el elemento visual es el principal componente del anuncio.

Para la creación de publicidad exitosa a nivel comercial, se suelen utilizar personajes famosos o modelos que poseen gran atractivo físico, según los estudios utilizar famosos para el diseño publicitario, suele ser un éxito, ya que la popularidad del personaje juega un papel muy clave, también se suelen utilizar zonas de escenario  bien iluminados y con colores atractivos, todo esto con el objetivo clave de atraer a los consumidores o usuarios finales.

1.5  Herramientas de Diseño Grafico

Con el surgimiento de las computadoras y las tecnologías de información, las computadoras substituyeron lo que fueron los procedimientos técnicos por sistemas digitales y a partir de aquí empezaron a surgir un sin número de herramientas dedicadas a la creación y edición de diseños gráficos digitales, dentro de las herramientas o programas más utilizados podemos encontrar.

  • Photoshop          
  • Flash      
  • Adobe Creative Suite
  • Frenad
  • Lllustrator
  • Pagemarker
  • Lndesign
  • Dremweaver
  • Corel Draw
  • Xara Xtreme
  • GIMP
  • Sodipodi

2.    Arte.
2.1  Breve Historia.

El termino arte desciende del latín “ars” y es el equivalente al termino griego téchne traducido a español seria técnica. Fuente (http://es.wikipedia.org/wiki/Arte)

Los primeros hallazgos de arte vienen de la época paleolítica o época de la piedra, este tipo de expresiones de arte se han localizado en los interiores de las cavernas en distintos lugares del planeta, todas estas son manifestaciones de una cultura dedicada a la caza, en donde se presume que se realizaban como rituales antes de la casería, para que estas fueran exitosas, se han hecho estas presunciones en vista de que estas pinturas eran de animales. Luego vienen las expresiones de arte como las egipcias, que con sus monumentos arquitectónicos dejaron plasmado la grandeza de su arte. Más adelante en la historia se puede encontrar el arte griego caracterizado por la perfecta expresión de la figura humana mediante el uso de la cerámica, el mármol, la madera y la piedra, después de esta vendría la aparición del arte romano, con el cual los romanos trataron de expresar el poder del mando del estado.     
En sus inicios este término de arte era usado para denotar cualquier producción  realizada por el ser humano,  se data que durante el renacimiento italiano, a finales del siglo XV, se realiza por primera vez la distinción entre los artistas y los artesanos, dejando en esta clasificación a los artistas como aquellos capaces de crear obras únicas y a los artesanos como productores o creadores de múltiples obras.
De aquí en adelante viene lo que en la actualidad conocemos como arte, mediante el cual los artistas se valen de distintos materiales y herramientas para expresar sus creaciones artísticas de  la manera más creativa e intuitiva posible, mostrando su visión natural del universo.

2.2  Definición.

Según el diccionario de la real academia española se define arte como: “Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros

De modo que el arte se puede decir que es un medio o modo de expresión del ser humano, mediante el cual este pude expresar todas sus emociones que pueda tener del mundo, usando para esto medios físicos, textuales, lingüísticos, sonoros o mixtos.  El arte está basado completamente en la libertad de expresión, independientemente de si la idea expresada es aceptada o no.

2.3  Tipos de Arte

Existen muchas formas o tipos de arte, estas varían de cuerdo a los materiales o formas de expresión que se utilicen, inicialmente esta clasificación del arte incluía a la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía y literatura, luego con los inicios del cine cuando surgieron los primeros críticos se incluyo a la cinematografía  y por último a la fotografía. Todas estas son formas de expresión del arte y como se menciono anteriormente estos varían de acuerdo a los medios de expresión que se utilicen para transmitir el mensaje.

3.    Arte y Diseño Grafico (Relación y Diferencias Conceptuales).

De acuerdo a lo investigado está claro que existe un debate con respecto a las diferencias que existen entre diseño grafico y arte, en vista de que existen similitudes entre estos como su forma de expresión por mencionar algo, pero también están enfocados en expresar o comunicar una idea, indistintamente de si esta idea es bien aceptada o no del publico final.
Hay que tener en claro que los dos son formas de expresión humana que intentan transmitir una idea, sin embargo el arte está enfocado a manifestar una visión o una expresión de un idealismo o sentimientos por parte del artista, y por el contrario el diseño es el resultado de conjuntar o unir un grupo de elementos para poder suplir una necesidad especifica que fue planteada con anterioridad.

Enfocándonos desde el punto de vista de los ejecutores  se podría decir que la principal diferencia que se puede encontrar entre una persona dedicada al diseño grafico  (diseñador gráfico)  y el que se dedica a la expresión del arte (artista) está en que para poder lograr el objetivo que se quiere que es llegar al público, el diseñador grafico tiene que realizar una investigación de ideas y conceptos, con el fin de que el resultado final tenga éxito en base a lo que desea el público.
El diseñador grafico, se vale de otras disciplinas y utiliza distintas herramientas para asegurarse de que su idea o producto final cumpla con las condiciones requerías para que se llegue al objetivo que inicialmente se propuso, sin embargo esto no quiere decir que un diseñador grafico no sea un artista, puesto que la mayoría de las veces el diseñador grafico utiliza su libertad de expresión para lograr los mejores resultados con el diseño que quiere obtener, convirtiendo a este en una forma particular de artista, también hay que destacar que en el mundo del diseño grafico existen muchos artistas dedicados a expresar su arte mediante el diseño y utilizan este como medio de actividad económica.

Hay que entender que el diseño siempre tendrá una razón de ser y nace como respuesta a una necesidad, como por ejemplo comercializar un producto o vender una imagen, el diseño grafico se enfoca en crear algo funcional con la necesidad de comunicar un mensaje para cualquier tipo de consumidor.
Otra diferencia eta en que en ambos casos  están basados en el potencial de comunicación que tiene el ser humano expresado como una forma artística, sin embargo el diseño en la mayoría de los casos está sujeto a la construcción colectiva, y el arte en su mayoría está basado en la construcción particular.
Una particularidad que ambos tienen es que utilizan medios de comunicación del ser humano en algunos casos sin necesidad de utilizar la palabra.
En el campo de aplicación de creación de sitios web, es más utilizado el diseño grafico que el arte ya que las web es un mercado enorme, que tiene a expandirse día con día, sin embargo existen muchos artistas que han encontrado en la web una forma de expresar su arte y compartirlo con los demás usuarios de la red, un ejemplo claro es el artista Boris Vallejo quien ha sabido llevar su arte hasta la red para compartirlo con el mundo entero, su galería se puede encontrar en la siguiente dirección: http://vallejo.ural..net/

Se puede decir entonces que el la diferencia principal existente entre el  diseño gráfico y arte radica básicamente  en que el primero busca llevar a un producto para que este sea aceptado por el consumidor final, mientras que el segundo se basa en la libertad total de expresión, creado para comunicar los sentimientos del artista, para expresar su visión del mundo o las criticas del mismo, sin tener ningún otro propósito,  sin importar si este es aceptado o no y no tiene un público al cual está dirigido, simplemente está abierto libremente a las apreciaciones.  
Por último puede considerarse como producto del diseño gráfico a cualquier manifestación gráfica creada por el hombre. Pero por otra parte, se puede incluir dentro de este clasificación solamente  a todas las manifestaciones que se generen como el resultado de aplicar el modelo de producción industrial, ósea manifestaciones de tipo visual que fueron pensadas para asumir distintas necesidades y que sean simbólicas, contextuales y productivas.

Conclusiones

Existen varias clasificaciones de diseño gráfico que incluyen: diseño gráfico publicitario, diseño editorial, diseño de identidad corporativa, diseño, Web,  diseño tipográfico, diseño de carteles, diseño editorial, diseño multimedia, entre otros.
Con el desarrollo de la tecnología la expresión del diseño grafico tiene la tendencia de manifestarse en forma digital, por otro lado para reforzar esto   actualmente en el mercado existe una cantidad considerable de herramientas que ayudan a la explotación de el diseño web de manera digital en su máxima expresión.

El arte al igual que el diseño grafico suelen ser expresiones humanas y los dos contemplan cierto grado de similitud ya que ambos transmiten un mensaje y ambos comunican una idea, sin embargo se pueden encontrar diferencias si se analiza el marco conceptual de cada uno y se pueden encontrar más similitudes si se analizan sus campos de aplicación o de acción ya que estos son parecidos.

En síntesis aunque se podría decir que el diseño grafico es en cierta forma un tipo de arte, este tiene sus diferencias que lo separan del arte propiamente.

Por tanto se puede concluir que aunque similares, existe una diferencia entre diseño gráfico y arte; el fin de su realización

Ing. Luis Córdoba Fallas
viernes, 5 de abril de 2013 0 comentarios

Chevreul y la Teoría del Color

Introducción


La revolución industrial trajo consigo una serie de cambios que vinieron a impactar de manera positiva la sociedad, cambios en el aspecto social, económico y principalmente tecnológico, todos estos cambios han quedado como legado para la humanidad, y con el paso del tiempo han evolucionado y se han convertido en  lo que hoy conocemos, como ya se sabe durante el proceso de la revolución industrial, el diseño gráfico se convirtió en una herramienta importante para la creación de publicidad novedosa, lo que provoco que esta tuviera un auge en su desarrollo y se vio fuertemente impulsada gracias a este proceso de industrialización de las sociedades.
Todo este proceso de crecimiento del diseño se dio gracias a los grandes aportes de científicos e investigadores que buscaban novedosas herramientas para desarrollar el proceso de industrialización, este es el caso de Michel Eugène Chevreul que con sus aportes ayudo  a fundamentar las bases para sustentar lo que hoy conocemos como diseño y su aplicación en muchas y diversas áreas.
En la actualidad gracias a este sin número de aportes de realizados por distintos investigadores como Chevreul, hemos podido ver como el teorías como la del color son  aplicadas a el Diseño de sitios web que es parte fundamental en la creación y presentación de estos.

Mediante la presente investigación se  tiene como finalidad mostrar de manera breve  los trabajos realizados por Chevreul sobre la teorización del color y de igual manera  ampliar sobre cuáles fueron los principales aportes de este personaje hacia lo que hoy conocemos como la teoría del color.


1.    Chevreul Biografía.

Michel Eugène Chevreul
http://es.wikipedia.org
Michel Eugène Chevreul: Este fue un famoso químico francés nacido en París el 31 de agosto de 1786, se destaco como profesor de química orgánica, director del museo de historia natural de parís y fue director de la real fábrica de tapices de los Gobelinos que era una manufactura dedicada a la creación de tapices, fue presidente de la academia de ciencias en 1839, recibió la gran cruz de la legión de honor y el nombramiento de director del museo de historia natural, por  sus descubrimientos en el campo científico en el año 1864.

Dentro de sus investigaciones se encuentra la de la composición de las grasas que fue aplicada en la fabricación de bujías y jabones, también se dice que fue descubridor de los ácidos esteárico y oléico que son ácidos grasos provenientes de animales y vegetales.
Sin embargo pese a estas investigaciones antes mencionadas el nombre de Chevreul es muy conocido por los aportes que realizo a la teorización del color, en donde quiso realizar una teoría científica sobre este, la iniciativa de este personaje surgió en base a la necesidad  de tener que combinar colores en  el proceso de mezcla de tintes, durante este proceso normalmente se encontraban con el problema de que era frecuente que no se obtenían los resultados deseados o el color que se deseaba, a causa de la influencia que ejercían los colores adyacentes, esta necesidad lo llevo a elaborar una investigación del porque la apariencia de los colores estaba influida por otros colores adyacentes, a partir de experimentos realizados para mejorar el brillo de los tintes que eran utilizados en la fábrica, dando como resultado una publicación en el año 1839.
Dentro de los trabajos que destacan a este personaje se puede resaltar la labor por el trabajo realizado sobre las leyes que gobiernan los cambios de intensidad de los colores y las sombras pero en  particular la influencia de un color en yuxtaposición a otro, investigaciones que dio a conocer en sus libros: “Leçons de chimie appliquée à la teinture” durante los años 1828-1831, además de “De la loi du contraste simultané des coleurs” en el año 1839, y los dos últimos “Essai de mécanique chimique”  año 1854 e “Histoire des connaissances quimiques” año 1866.

2.    Aportes de Chevreul.

Chevreul dio muchos aportes a la ciencia y a la industria, que lo convirtieron en un personaje destacado, dio participación a los debates filosóficos de la época, como los engaños del espiritismos, además de un estudio realizado sobre el senilismo, además dio sus aportes en la investigación de las grasas y de los tintes, publicados en los libros que se mencionaron anteriormente, por otro lado aunque no tuvo relación con el mundo artístico este tuvo un fuerte impacto sobre las nuevas teorías del color que se vendrían a generar a finales del siglo XIX. 

2.1  Influencia en el Impresionismo

Aparte de la influencia que este tuvo sobre la teoría del color existen muchos aportes realizados por este personaje que ayudaron al desarrollo del diseño gráfico  de la misma manera sus teorías ayudaron a inspirar a pintores del impresionismo y neoimpresionismo que surgieron en la sociedad francesa a mitad del siglo XIX y a finales de este, el termino impresionismo era usado para hacer referencia a un tipo de movimiento artístico fundado por una sociedad anónima de artistas, pintores y escultores, que se dedicaron a promover nuevas formas de expresión artística muy diferentes a lo que ya se conocía, este tipo de arte fue rechazado por los críticos académicos, y este grupo de artistas encabezados por Monet, Degas, Renoir, Pissarro y Sisley, decidieron defender su arte revolucionario, estos artistas eran en parte inspirados por las teorías científicas sobre el color que aporto Chevreul,  toda esta serie de aportes ayudaron el desarrollo de las distintas teorías sobre el colore que se manejan hoy, y que son muy utilizadas en lo que en la actualidad conocemos como diseño grafico.

2.2  Influencia de Chevreul sobre la teoría del color.

De la investigación científica realizada sobre los colores Chevreul pudo observar que el problema con los  no se debía a los colorantes ni a los pigmentos, sino mas bien a la forma en que se percibía la mezcla óptica de colores, en otras palabras la cercanía de colores semejantes hacía que se perdiera el efecto que se deseaba igualando los colores o volviéndolos grises, de modo que los colores que están contiguos deberían ser lo más diferentes posibles para lograr la tonalidad deseada, de esta investigación se derivan los postulados que hoy conocemos  “dos colores adyacentes, cuando son vistos por el ojo, aparecerán tan diferentes como sea posiblede modo que en caso de que el ojo humano tenga que contemplar simultáneamente dos colores contiguos, estos serán los más diferentes que sea posible, deberán contrastar tanto en lo que respecta a la composición óptica como a la intensidad del tono de estos dos, de tal manera que resalte lo claro de lo oscuro por la inexistencia o escases de los tonos de color intermedios.

Chevreul se propuso a observar las distintas impresiones que como efecto produce la visión ante un conjunto de diferentes colores, y logra distinguir que entre algunos de ellos no generan un resultado armónico, también logra distinguir las combinaciones que dan un resultado armónico entre colores análogos y las que lo hacen por el contraste de colores. Un ejemplo de armonía de colores análogos seria la llamada ‘armonía de matices’ en la que se dejan observar tonalidades de la misma intensidad en escalas cercanas, y un ejemplo de  ‘armonía de contraste de colores’  es producido por el efecto de visión al mirar dos colores de escalas más lejanas.

Dentro de sus afirmaciones Chevreul logra definir el coloreado absoluto o verdadero como: “El resultado de la aplicación, sobre una superficie plana, de pigmentos con los que el pintor imita un objeto natural o representa un objeto imaginario, en este arte se debe cumplir con tres reglas. La de la perspectiva aérea relativa a la luz blanca y a las sombras; la de la perspectiva aérea relativa a la luz de varios colores, y la de la armonía de los colores locales y de los diferentes objetos que componen el cuadro”, de modo que según se entiende, si se quiere alcanzar el resultado deseado en la combinación de colores y basándose en su ley del contraste, Chevreul recomienda no dejar de lado que si se ven al mismo tiempo dos objetos coloreados, estos no se podrán ver con su color local, si no más bien matizados por el color que los complementa, también aconseja al pintor, que se evite vite el mirar por mucho tiempo el  objeto que se está tomando como modelo, puesto que la  visión humana es continua y el ojo se acomoda para retener los complementarios de los colores que se observan.

De todas estas investigaciones realizadas sobre posibles  colores yuxtapuestos, Chevreul logra muchos resultados útiles para la combinación de colores y de tonos de las que se puede citar la siguiente La mezcla de un primario con un secundario que lo contenga contrasta mejor si el primario se muestra con un tono más luminoso que el secundario”,  este tipo de apreciaciones realizadas por Chevreul resultan de mucha importancia en esta época para los dedicados a colorido industrial o al colorido artístico.

En otra apreciación en uno de sus libros logra hacer distinción entre técnicas de coloreado con claroscuro, en las que son utilizados distintos matices y tonos de los colores,  haciendo variaciones para acomodarlos a las circunstancias de su visión en diferentes condiciones de luz,  y entre las técnicas de  ‘tintes planos’ en donde, una vez que son  trazados los perfiles de las diversas partes del modelo, se colorean de manera uniforme con sus colores particulares.  En los dos casos anteriormente mencionados hay que seguir el principio que dice: “para imitar fielmente el modelo debemos copiarlo de forma distinta a como lo vemos  y reconocer que se produce la mezcla óptica en la retina, porque las pequeñas áreas de color, vistas a distancia parecen una superficie de color uniforme”,  tal y como sucede en  los mosaicos y los tapices.

En la última sección del libro de ese personaje se logra exponer una lista de 10 principios estéticos que hacen alusión a las formas, estas se citan a continuación.
   
“1- De volumen: de dos estatuas o bustos que representen al mismo modelo, pero difieran en tamaño, el mayor, aunque de igual mérito nos causará mayor impacto que el otro.

2 - De la forma: en ciertos objetos artísticos destinados tan solo para dirigirse al ojo, la forma es su cualidad más esencial; así son los arcos de triunfo, los obeliscos, columnas o pirámides, erigidos como memoriales, o para el ornato de la ciudad, los lugares públicos etc.

3- De estabilidad: es necesario someter al principio de equilibrio la «pose» de las figuras de un cuadro, de una estatua o de monumentos arquitectónicos.

4- De color: el color se ve al mismo tiempo como forma. Da un aspecto más agradable a un cuerpo liso, aumenta el relieve haciendo las partes del todo más distintas de lo que lo serían sin él, y contribuye eficazmente acrecentando los bellos efectos de simetría.

5- De variedad: el artista, el aficionado lúcido, y hasta las mentes menos cultivadas, todos buscan la variedad en las obras tanto del arte como de la Naturaleza.

6- De simetría: es muy probable que nuestra organización, que combina dos partes tan parejas como se pueda en un ser organizado, tenga mucho que ver con el placer que obtenemos de la visión de los objetos simétricos.

7- De repetición: la repetición de un objeto o de una serie de ellos produce mayor placer que el de la vista de un objeto único o de una serie única; debe entenderse claramente que hablamos sólo de un objeto que se dirige al ojo por su forma o su color y que no pretendía verse aislado, como las obras maestras de la estatuaria.

8- De la armonía general: para componer un conjunto placentero no basta con combinar objetos agradables, es igualmente necesario establecer entre ellos conexiones, y es la adecuación de estas afinidades, más o menos fáciles de reconocer, lo que mostrará si el principio de armonía general se ha observado más o menos rigurosamente.

9- De adecuación del objeto a la finalidad: éste debería seguirse en todo arte, puesto que cada objeto que surge de cualquier arte tiene su finalidad; es necesario, entonces, que para que se alcance el objetivo del artista el objeto sea adecuado a su fin.

10- De visión distinta: para toda obra de arte es necesario satisfacer el principio de visión distinta (clara), por el cual todas las partes de un todo que se han de exhibir deberían presentarse sin confusión y de la forma más simple.” 

Extraído de “De la loi du contraste simultané des coleurs- Michel Eugène Chevreul 1839”
Fuente: http://www.gobcan.es
  
De los aportes realizados por Chevreul se han derivado algunas de las que hoy conocemos como las leyes de la armonía del  color.
    
    El orden complementario es superior a todos los demás en la armonía de los colores.

    Los colores simples de los artistas (rojo, amarillo y azul), asociados dos a dos, forman mejores armonías de contraste que los demás colores.

    Cuando dos colores no se armonizan, es siempre ventajoso separarlo por medio de blanco, de negro o de gris.

    El gris, no produce nunca mal contraste cuando se asocia a dos colores luminosos; generalmente es preferible al blanco sobre todo cuando se coloca entre otros dos colores.

    El negro asociado a colores oscuros o a tonos rebajados de los colores luminosos, produce mal armonía de análogos que pueden ser de gran efecto en muchos casos.

2.3  El Círculo cromático.

Durante el proceso de investigación Chevreul crea su  propio círculo cromático el cual utiliza como recurso gráfico, este lo construye con  setenta y dos matices de color y veinte tonos de cada uno de ellos, encima de este hay sectores o cuadrantes divididos por diez radios dando a cada uno de ellos un tono cada vez mas acercado al color, con este círculo de color se pretendía abarcar miles de variedades de matices y tonos que únicamente  un ojo bien entrenado podría llegar a distinguir. La utilidad de este círculo  entre los profesionales dedicados al color  logro ser demostrado por la aplicación que se hizo de ella en la propia fábrica de Gobelinos, para la cual Chevreul trabajaba.

Chevreul crea el círculo Cromático, con la idea especifica de indicar las relaciones entre colores, este círculo está dividido  en dos grupos de colores principales:
Los colores Fríos: estos colores aparentan el retroceso del color base
Los colores cálidos: que dan la impresión de avanzar con respecto al color base.

Definición: El circulo Cromático  es una clasificación de colores, resultado de distribuir alrededor del circulo todos los colores que conforman unificadamente el segmento de luz, los colores mas comúnmente utilizados en este, son el amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde la mezcla de estos colores va realizando una combinación con el siguiente y así sucesivamente, para crear un circulo con millones de colores.

A continuación se muestra un ejemplo de círculo cromático que fue el utilizado por Chevreul en sus investigaciones.

Circulo Cromático de Chevreul
  
Conclusiones

Sin lugar a Duda el personaje de Michel Eugène Chevreul  ha tenido un gran valor para el desarrollo de las técnicas y elementos que componen hoy en día el diseño gráfico, su teoría como se vio anteriormente, sirvió como base de inspiración para el arte que desarrollaron los impresionistas franceses que se desenvolvieron en  el transcurso del siglo  XIX, esto aunque no se ha podido constatar de que estos impresionistas llegaran a leer sus obras.

Por otro lado sus aportes impactaron la forma en que se desenvolvió lo que fue el impresionismo y el neoimpresionismo a mediados del siglo XIX y a finales de este sucesivamente, de la misma manera este con sus aportes, afecto la manera en el que desarrollaron las nuevas teorías de color durante el transcurso de esta época y las consiguientes. Los impresionistas del siglo XIX se vieron apoyados en estos aportes para desarrollar lo que fue el impresionismo como su forma de oposición al arte convencional, expresándose mediante el arte que ellos llamaban revolucionario.

Los resultados obtenidos por las investigaciones realizadas por Chevreul son fuertemente respaldados por los resultados obtenidos en la fabricación de Gobelinos en la real fábrica de tapices y sus postulados claramente ejemplificados con aplicaciones prácticas realizadas por el mismo. 

Todas estas propuestas de este investigador sustentan en parte lo que hoy conocemos como la teoría del color y se ven reflejadas en el desarrollo de la tecnología para la expresión del diseño grafico el cual tiene la interesante tendencia de manifestarse en forma digital

En síntesis aunque se podría decir que los aportes realizados por Michel Eugène Chevreul  fortalecieron en de gran manera la evolución de las teorías del color mejorando los medios de expresión del arte y del diseño gráfico  con estos pequeños aportes que de buena manera sirvieron como base.

Ing. Luis Córdoba Fallas.

 
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